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☆☆☆☆☆

出版者:复旦大学出版社

作者:聂欣如

出品人:

页数:277

译者:

出版时间:2006-12

价格:30.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787309052183

丛书系列:

图书标签:

• 动画
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• 电影
• 聂欣如
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• 表现
• 文化

好的，这是一本名为《光影叙事：电影语言的精微构建》的图书简介： 光影叙事：电影语言的精微构建 作者： [此处可留空，或使用一个富有文学气息的笔名，例如：亚历山大·格里菲斯] 出版社： [此处可留空，或使用一个象征学术与艺术的名称，例如：银幕研究院出版社] --- 内容概要 《光影叙事：电影语言的精微构建》并非一本探讨卡通、日本漫画或传统动画制作流程的指南。相反，它深入剖析了实拍电影（Live-Action Cinema）作为一种艺术形式的底层逻辑、历史演变及其叙事机制。本书的核心在于揭示电影语言——从镜头运动、剪辑节奏到光影布局——如何共同编织出超越单纯影像记录的情感体验和思想深度。 全书分为五个相互关联的部分，旨在为读者提供一套完整的电影分析工具箱，使他们能够以“电影建筑师”的视角去审视每一部作品。 --- 第一部分：视觉语法——镜头的本体论 本部分聚焦于“镜头”这一电影最基础的语义单位。我们探讨的不是如何操作摄影机，而是摄影机“观察”世界的方式及其对观众心理的影响。 1. 空间与距离的感知： 详尽考察长镜头、中景、特写在构建叙事张力中的差异。我们将分析固定机位如何建立“客观”的视角，而运动镜头（如推轨、斯坦尼康）如何模拟角色的主观体验或引导观众的注意力流向。特别关注对“景深”的运用——失焦与清晰的切换，如何暗示信息的重要性或人物的心理状态（如福柯的“凝视”理论在电影中的体现）。 2. 运动的意义： 运动不仅仅是移动，它是一种时间的压缩与拉伸。本书区分了“客观运动”（记录动作）和“主观运动”（情感载体）。我们以格里菲斯早期对摇摄（Pan）的使用为例，阐释其如何从单纯的场景展示演变为角色情绪的具象化。同时，深入探讨了高速摄影与慢动作在时间感知重构中的哲学含义。 3. 视角与意识形态： 这一章着重于“不可见性”的构建。电影叙事中，我们常常被引导去相信某个特定的视角是“真相”。本书通过对低角度、高角度拍摄的交叉分析，揭示了导演如何利用这些非语言线索，微妙地建立权力关系、塑造角色的道德判断，以及在潜意识层面植入某种意识形态立场。 --- 第二部分：时间的雕刻——剪辑的节奏与结构 如果说镜头是词汇，那么剪辑就是句子和篇章的构造。本部分将剪辑从技术操作提升到哲学思辨层面，探讨“时间如何被切割和重组”。 1. 经典连续性剪辑的解构： 深入分析180度法则、轴线原理等好莱坞经典规范，但更侧重于探究这些规则之所以成立的心理学基础——即人类对连续叙事的本能需求。通过对L-cut和J-cut的细致分解，展示声音如何提前介入或延迟结束，从而实现剪辑点的“软化”与“强化”。 2. 蒙太奇的权力与局限： 区别于苏联学派的冲突蒙太奇（如爱森斯坦的辩证法）与好莱坞更侧重于信息传递的并置蒙太奇。本书探讨了“隔阂式蒙太奇”（Jump Cut）在打破观众舒适区、强迫其重新介入叙事过程中的作用，以及如何运用非线性剪辑来模拟记忆的碎片化特性。 3. 节奏与情感共振： 节奏的掌握是剪辑的精髓。我们通过分析动作场面（如追逐戏）中毫秒级的切换频率，与慢节奏叙事（如塔可夫斯基的“停留”）中长达数分钟的镜头，来构建一个关于“时间密度”的理论模型，用以衡量叙事效率与情感深度。 --- 第三部分：光与影的炼金术——摄影的物质性 本部分完全脱离了动画领域的色彩理论，专注于光线在胶片或数字传感器上的物理反应，以及它如何服务于叙事氛围的塑造。 1. 光源的戏剧性： 分析自然光、布光（三点布光法）与环境光的象征意义。重点考察“低调照明”（Low-Key Lighting，如黑色电影）如何通过强烈的明暗对比，在物理空间中创造出心理上的不确定性与道德的模糊地带。反之，高调照明（High-Key Lighting）在剥夺阴影后，如何暗示一种无所遁形的“透明性”或极端的理想化。 2. 色彩的潜意识编码： 摒弃对流行色彩趋势的简单罗列，转而探讨色彩饱和度、色温与胶片颗粒感（Grain Structure）如何共同构建一个电影世界的“物质触感”。例如，分析偏冷色调对疏离感的强调，与暖色调对怀旧或危险的暗示之间的微妙张力。 3. 焦点与纹理的叙事： 探讨摄影指导（Cinematographer）如何利用镜头本身的局限性（如镜头畸变、像差）来增强故事的真实感或疏离感。 --- 第四部分：空间的构建——场面调度与布景的互动 本部分关注导演在固定镜头之外，如何运用演员、道具和场景元素来构建一个有生命力的、充满潜文本的空间。 1. 舞台的内在逻辑： 场面调度的核心是对人物在空间中权力关系的划分。本书细致分析了对角线构图、前景、中景和背景层次的精妙布局，如何使观众在不自觉中理解谁拥有主动权，谁处于被监视或被边缘化的位置。 2. 声音的隐形维度： 虽然本书聚焦视觉，但声音被视为不可分割的“空间元素”。我们探讨了同期声、画外音（Diegetic/Non-Diegetic Sound）与环境声（Ambience）如何填补或定义银幕上的“虚空”。特别分析了沉默——当声音被彻底移除时，空间如何因其“缺失”而变得更具压迫性。 3. 道具与意象的嵌入： 分析关键道具（如特定的窗户、门、镜子）如何被放置在场面调度中，作为角色的延伸或叙事障碍，而非仅仅是背景装饰。 --- 第五部分：风格的汇流——历史语境中的电影作者 最后一部分将前述的元素放在更宏大的历史和理论框架下进行审视。 本书追踪了从默片时代的实验到新浪潮的突破，再到当代数字电影对经典语法的挑战。我们不以“动画流派”为中心，而是聚焦于那些通过独特的光影和剪辑风格确立了个人美学体系的“作者”（Auteur）。通过对特定导演（如希区柯克、安东尼奥尼、布列松等）标志性镜语的案例分析，读者将学会如何识别和欣赏一部电影在技术执行层面所体现出的独特“思想印记”。 目标读者： 电影理论研究者、编剧、独立制片人、以及所有渴望超越单纯“娱乐消费”层面，深入理解电影艺术本质的严肃影迷。 --- 《光影叙事：电影语言的精微构建》是一本关于如何“看”电影的书，它教导读者如何分辨光线中的意图，如何聆听剪辑中的潜台词，以及如何理解摄影机如何在不知不觉中塑造了我们的情感共鸣。

评分☆☆☆☆☆

本着本科学生的矜持和学术的客观原则我没给两星。 拿到这书的开始，看到第一部分的时候，也许是出于对动画起源的理解不够专业，所以我仿佛如获至宝，但是到第三部分之前，这书诸多零散的逻辑让我产生了困惑，看到第四部分亚洲动画，尤其是关于宫崎骏的评论部分，我从起初的欢喜...

评分☆☆☆☆☆

2009年9月本书已经推出第二版，第二版增补了最新的各国动画案例和有关新媒体动画的论述，对一些关键的、有争议的概念和观念作了进一步的梳理，并对个别章节的结构有所调整，表述更为清晰和有条理，保证了本书的先进性与权威性。  

评分☆☆☆☆☆

2009年9月本书已经推出第二版，第二版增补了最新的各国动画案例和有关新媒体动画的论述，对一些关键的、有争议的概念和观念作了进一步的梳理，并对个别章节的结构有所调整，表述更为清晰和有条理，保证了本书的先进性与权威性。  

评分☆☆☆☆☆

本着本科学生的矜持和学术的客观原则我没给两星。 拿到这书的开始，看到第一部分的时候，也许是出于对动画起源的理解不够专业，所以我仿佛如获至宝，但是到第三部分之前，这书诸多零散的逻辑让我产生了困惑，看到第四部分亚洲动画，尤其是关于宫崎骏的评论部分，我从起初的欢喜...

评分☆☆☆☆☆

2009年9月本书已经推出第二版，第二版增补了最新的各国动画案例和有关新媒体动画的论述，对一些关键的、有争议的概念和观念作了进一步的梳理，并对个别章节的结构有所调整，表述更为清晰和有条理，保证了本书的先进性与权威性。  

评分☆☆☆☆☆

最让我印象深刻的，是书中对于“动画的未来形态”所抱持的开放和审慎态度。它并没有像一些老旧的教材那样，将技术视为最终目的，而是将重点放在了“人”与“故事”上。在讨论虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及AI生成内容对动画产业的冲击时，作者展现出一种超越时代限制的洞察力。他强调，无论技术如何发展，动画的核心价值始终在于如何有效地沟通情感和思想。书中提出的许多关于“交互性叙事”和“个性化动画体验”的讨论，虽然听起来像是科幻小说，但却提供了非常实际的思考框架。它促使读者去思考：在未来，动画师的角色将如何演变？我们应该如何利用新的工具，去讲述更深刻、更触动人心的故事？这本书不是在提供一套固定的公式，而是在邀请我们参与一场关于未来的对话，它给予了我们远超当前工具限制的思维工具，让我对动画这个领域未来的无限可能性充满了敬畏和期待。

评分☆☆☆☆☆

我一直对那些充满想象力的视觉叙事非常着迷，但真正让我感到震撼的，是这本书对于“动画语言”的拆解部分。它没有停留在表面的炫酷特效上，而是深入挖掘了动画区别于电影、漫画等其他媒介的核心特性。比如，书中详细阐述了“缓入缓出”原理在角色情绪表达中的微妙作用，以及如何通过夸张的形变和非自然的运动轨迹来强化角色的性格特征和内在冲突。作者似乎拥有一种魔力，能把那些原本需要通过多年实践才能领悟的经验法则，用清晰、理性的文字一一阐释清楚，读起来毫不费力，却又字字珠玑。尤其是关于“时间感”的处理，它讨论了如何在有限的帧数内营造出重量、速度感甚至是时间的停滞感，这部分内容简直是打开了我对动画节奏感理解的一扇窗。我以前看动画总觉得“好像哪里不对劲”，现在我能大致判断出是关键帧的密度不够，还是中间过渡帧的处理过于僵硬。这本书的价值在于，它将那些难以言喻的“感觉”转化成了可以被分析和学习的知识体系，极大地提升了我对动画作品的鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现也值得称赞。很多技术性或历史性的书籍，内容固然重要，但视觉呈现往往比较单调，让人提不起精神。然而，《动画概论》在这一点上做到了艺术与实用的完美结合。它不是那种只有文字的枯燥教科书，而是充满了高质量的插图、关键帧截图甚至是早期的设计草图扫描件。这些视觉辅助材料并非简单的点缀，而是与文字内容紧密配合的，它们直接佐证了作者的观点。比如，当作者讨论到某位大师在角色设计中对“动态透视”的极致运用时，旁边立刻就能看到那张被精确标注了透视线的原画。这种即时的视觉反馈，极大地降低了理解复杂概念的门槛。对我而言，它就像一本精心策划的视觉博物馆导览手册，每一页都充满了值得驻足欣赏的细节，确保了阅读过程中的视觉愉悦感，也让知识的吸收效率大大提高。这让我想起翻阅一本古老的设计图谱，那种对创作过程的敬畏感油然而生。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我大开眼界，完全颠覆了我对“动画”这个词的传统认知。我原本以为它会是一本枯燥的技术手册，详细讲解如何使用复杂的软件，或者堆砌一些过时的行业术语。但《动画概论》却呈现出一种别样的风貌。它更像是一部深入浅出的艺术史诗，从皮影戏的古老剪影，到早期的默片时代的定格奇迹，再到如今流光溢彩的数字魔术，作者用极其生动的笔触，勾勒出了动画这门艺术形式波澜壮阔的演进历程。特别是书中对早期迪士尼和橡胶管动画风格的分析，那种对动作物理学和角色表现力的精准把握，让人不得不佩服那个时代的创作者们在技术受限的情况下所迸发出的无限想象力。它不只是在讲述历史，更是在解读“运动的哲学”，思考光影如何被赋予生命，节奏如何塑造情感。读完这些章节，我感觉自己不再是一个被动的观众，而是一个能洞悉幕后原理的观察者，对每一帧画面的背后所蕴含的思考有了更深层次的理解。这对于任何想进入这个领域或者仅仅是对视觉艺术感兴趣的人来说，都是一份宝贵的财富，它提供了宏观的视野，让小的技巧学习都有了坚实的理论基础支撑。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我有点担心内容会过于偏向西方主流的商业动画，毕竟很多教材都有这种倾向。但《动画概论》在这方面做得非常出色，它有着令人赞叹的全球视野。书中花了相当大的篇幅去探讨日本动画（Anime）在叙事结构和视觉风格上对传统西方动画的挑战与融合。更让我惊喜的是，它还触及了欧洲一些先锋动画实验的案例，那些挑战传统叙事框架、专注于纯粹形式探索的作品，它们的存在本身就是对“什么是动画”的有力发声。这种包容性和广度，让这本书不仅仅是一本行业指南，更像是一本跨文化艺术对话的记录。它鼓励读者去跳出舒适区，去审视那些不那么“主流”但却极富创造力的动画作品。每当我读到那些关于不同文化如何影响动画美学选择的章节时，都忍不住停下来思考，动画作为一种全球性的媒介，它是如何折射出不同地域人们的集体潜意识和审美偏好的。这种深度探讨，远超出了我预期的“入门”级别内容。

评分☆☆☆☆☆

很好的一本动画理论书籍

评分☆☆☆☆☆

很好的一本动画理论书籍

评分☆☆☆☆☆

这本动画概论还是比较靠谱的！

评分☆☆☆☆☆

很有帮助，影视动画入门教材，讲的很棒。看完宛如新生？？hhhhh可以装一波逼了~~~

评分☆☆☆☆☆

这本动画概论还是比较靠谱的！